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Via col vento

Martedì 22 Luglio 2008

La realizzazione definitiva dell’installazione realizzata a Francavilla al mare sul belvedere del Museo Michetti

VIA COL VENTO
L’installazione
di
Momò Calascibetta
vuole evidenziare il mondo dell’aria, elemento invisibile la cui forza è utilizzabile per far muovere macchine che producono energia elettrica. A questo mondo appartengono gli uccelli e innumerevoli insetti, gli aerei, gli asciugacapelli, i deltaplani e i paracadute, le bolle di sapone, i profumi dei fiori e i deodoranti, i gas inquinanti e quelli che ci servono, il fumo degli incendi e delle sigarette, il vapore dei soffioni e quelli del caffè bollenti, i coriandoli e le cerbottane. L’ aria è cio’ che tutto avvolge e permea, è lo spazio intangibile che tutto unisce è la sostanza invisibile che pervade l’intero universo e che noi assorbiamo dall’ambiente circostante attraverso il respiro necessario alla vita degli Esseri.

Il progetto di Momò consiste in un grande volume piramidale, sospeso a 5 metri e mezzo da terra e realizzato con cannucce da bibita , versatile famiglia di materiali “plasticosi”. Trasparente e leggerissimo, un autentico miracolo visivo, per raccontare e mettere in luce il mondo dell’aria e la sua presenza che al minimo soffio, al primo alito di vento fa ruotare la struttura. L’aria è respiro, indispensabile alla vita. L’aria, nell’atto di inspirazione, partecipa all’energia vitale degli esseri e alla sua comunicazione perché il respiro è anche ritmo, veicolo di suoni e parole.

Circa 15.000 cannucce alimentari per la sua realizzazione

Il Mio Nome è Nessuno

Martedì 24 Giugno 2008


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IL MiO NOME  E’ NESSUNO

 Ingremiomatris -L’ecole des Italiens -Museo Immaginario
Regione Piemonte -Provincia del Verbano Cusio Ossola -Citta’ di Domodossola

IL Mio Nome E’ Nessuno
incantamento,stupore e bellezza nell’arte dei semplici

Domodossola  Palazzo Silva  via G.Paletta
6 Luglio 21 settembre 2008

Esordisce il 5 luglio prossimo, a Domodossola, nella superba sede di Palazzo Silva, una mostra destinata a cambiare i confini dell’arte contemporanea. Si chiama !l mio nome è Nessuno, e possiede un sottotesto disarmante, esplicativo: Incantamento, stupore e bellezza nell’arte dei semplici.
Fino al 21 settembre si potrà assistere a una rassegna di pittori così detti naive, ribattezzati "semplici". La mostra si presenta anche, e con notevole decisione, come gesto perentorio, estetico e politico. Contrastando un’idea performativa e banalmente provocatoria dell’arte italiana degli ultimi decenni. Riscoprendo i valori del sogno rispetto a quelli del mercato, il desiderio in favore del glamour. Così questi artisti, "simili a spettri o a eroi delle favole, ci mostrano la fiamma sempiterna e primitiva dell’arte: il suo potere suggestivo, conturbante, mitologico. Ci sono gesti nostalgici,intimi, preziosi, per nulla omologati, di gente ai bordi della storia, fuori dal mondo, che proprio per questo conquista il perno del mondo, il suo più remoto segreto". la mostra è curata da Marcovinicio, ed è mediata da un catalogo programmatico con testi di Davide Brullo e di Silvia Pacassoni edito da Umberto Allemandi

Dio è morto, e con lui l’arte. Pressappoco è così.

Gli artisti si metrano in base a un criterio di vendita, sulla loro testa viene affibbiata una taglia che ne identifica il valore. Nulla discandaloso, per chi fa denari: l’arte è un prodotto di mercato.L’artista, cioè, da talento individuale è diventato una griffe, lo si compra perché qualcuno ci dice che comprarlo è un buon affare, perché farà fruttare al compratore di lì a qualche anno un lauto gruzzolo.Bizzarrie dell’epoca: l’arte non procura più un nutrimento spirituale,non evoca bellezza, ordine e senso. Simile a un qualsiasi altro prodotto "di consumo" – come un paio di scarpe, una borsetta particolare, un’automobile fiammante – vaga sull’onda anomala delle
"mode", e si muta da popolare in gioiello d’èlite. Non provoca il mito, ma asseconda la storia. Cioè: non è inevitabile, urgente,provocante, bensì accessoria, aleatoria, vacua. L’estetica, come direbbe il poeta premio Nobel Josif Brodskij, non fonda più l’etica dell’uomo e della storia, ma è schiava di pulsioni superficiali,destinate a svanire al primo battito di ciglia, al precoce passaggiostagionale delle rondini.

Dacché fare i guastafeste è un esercizio per molti versi facile e inutile, costruiamo qualcosa. Questa è una mostra scandalosa. L’esatto
opposto dell’alchimia che regge, ad esempio, la Biennale di Venezia.

Il mio nome è Nessuno è una mostra di "pittori della domenica". Di
artisti per lo più ignoti e ingenui, selvatici e nascosti, anonimi e
misteriosi. Per far risorgere l’arte bisogna azzerarla, rivelandone il
cuore, la polpa inalterabile e millenaria.

Dopo tutto, è sempre stato così. Naïve vuol dire incantamento, stupore, bellezza pura, netta, semplice. Già, è attraverso un gesto semplice e perentorio che intendiamo scompaginare la storia dell’arte, far impazzire la Borsadell’Arte. Oggi come ieri sono i segni problematici e primordiali a cambiare il tempo. Lo sapevano bene, per ripassare in memoria due nomi clamorosi, Paul Gauguin e Pablo Picasso, che studiarono alla corte dei naïve e dei reietti per ottenere il miracolo della semplicità, di una infantile, unica immediatezza. Così questi artisti occasionali,ispirati, per giunta illuminati, che vengono a noi nel mistero, simili a spettri o a eroi delle favole, ci mostrano la fiamma sempre eterna e primitiva dell’arte: il suo potere suggestivo, conturbante,mitologico.


 Ci sono gesti nostalgici, intimi, preziosi, per nullaomologati, di gente ai bordi della storia, fuori dal mondo, che proprio per questo conquista il perno del mondo, il suo più remoto segreto.

Il viaggio tra questi "nessuno", tra questi artisti perduti e ritrovati, sommersi e salvati, anticonformisti perché non condizionati da alcuna moda, antimoderni, è anche un periplo alle origini dell’arte. Nel nome, sempre, è il senso. Nessuno si nominò Odisseo scampando alla furia di Polifemo. Nessuno è una zattera, un’occasione per salvarsi dal mondo di chi vuole annullare l’arte, tacitarne il potenziale esplosivo, perennemente scandaloso. Con una truppa di "nessuno" si rifonda l’arte.


Perché gli artisti, quando vigorosi, come
Odisseo, sono curiosi e corsari, avventurieri e pirati. Comunque,
estremi, fino ai margini inesplorati della terra.



Orari: Da martedì a venerdì dalle 15 alle 19,
         sabato e domenica dalle 10 alle 12, dalle 15 alle 19
         Ingresso € 5. Info e prenotazioni:
         www.ingremiomatris.com  info@ingremiomatris.com
         Cell. +393357357840

Inaugurazione sabato 5 luglio ore 18,30   Teatro Galletti  p.zza Mercato  Domodossola

Catalogo:                 Umberto Allemandi & C Ita/Ingl. 168 pag.

Curatore:                  Marcovinicio

Testi di:                    Dott. Davide Brullo, Silvia Pacassoni

Fotografie di:             Antonio Maniscalco, Marco Bianchetti

Coordinamento di:      Massimo Fiumano’
 

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L’opera di Momò Calascibetta presente alla mostra" Il Mio Nome E’ Nessuno"
"Minuetto di una domatrice di coccodrilli nel salone degli specchi di Villa Palagonia"
disegno a matita cm.165 x 200 - 2002


Apologia di Mowgli, l’artista selvaggio
testo integrale presente nel catalogo della mostra
di
  Davide Brullo

Nessuno. Il mio nome è Nessuno. Così risponde Ulisse, l’ardito e l’astuto, alla domanda del Ciclope. Siamo nel libro nono dell’Odissea. Sappiamo come va a finire. Ulisse l’avventuriero acceca il Ciclope, il quale si lancia delirante per l’isola gridando ai compagni che Nessuno lo vuole uccidere. L’episodio, emblematico, si squarcia in un finale obliquo. Ulisse si salva, e con sé salva alcuni dei propri compagni, ma pecca di vanità. Quando svela il suo nome, in mare, già imbarcato e sulla via di casa, si slega l’incanto, principiano ulteriori, drammatiche peripezie. Dopo tutto, i confratelli – essenze mute, spettrali e senza volto – lo avevano avvisato: “Pazzo, perché vuoi provocare un selvaggio?”. Nel mondo del mostro, perciò del meraviglioso, si accede non soltanto mascherandosi, ma annullandosi. Si partecipa allo stupefacente svuotati di sé, in stato sonnambulo. L’Odissea, trapaniamolo in testa, è il libro del sogno e della meraviglia, degli incontri favolosi e delle imprese oniriche, impreviste. È la soffitta dove il bambino si ritira per inventare mondi consecutivi, suggellati e plausibili. A dispetto dell’Iliade, statuaria e immobile, per nulla romanzesca, il libro dell’ira luminosa e della guerra onniavvolgente. Eppure, è papale, Ulisse non è certo il prototipo dell’ingenuo. Quando affronta il mostro selvaggio, sottraendogli la vista e forse marchiando sulla sua fronte quel “terzo occhio”, usa uno stratagemma sottile – nel rovinare e perforare la bestia c’è una stordente assonanza con l’episodio di San Giorgio e il drago? Ulisse, in questo senso, è l’uomo che dirada le proprie ossessioni, le sconfigge, perché desidera la casa, la patria, la famiglia. In qualche modo, il prezzo che gli è richiesto per ottenere queste banali sicurezze terrestri è il sacrificio dei propri sogni. Ma Ulisse, bambino avido e totale, è l’uomo che rischia per il solo gusto di conoscere. Prima di abdicare ai propri sogni, prima di scavalcare le proprie fobie, vuole conquistarle, dominarle, divorarle. Chi gli ha ordinato di approdare nell’isola dei Ciclopi, chi gli ha chiesto di sfidare il mostro? Ulisse, il catalogatore dei sogni. L’impossibile, il rischioso e il tremendo, il mondo del sogno e dell’incubo, incarnato dal Ciclope, li può affrontare soltanto un signor “nessuno”. Solo Nessuno penetra l’origine simbolica, mostruosa, affascinante dell’uomo, e perciò dell’arte. Perché la conoscenza è un atto gratuito e irragionevole, e l’arte è un gesto di per sé infantile, fallimentare. Segno qualcosa su una tela, capitalizzando il mio destino, gettandolo oltre i secoli. Come il barbaglio di un astro, che ci giunge fiocinando la notte, ma che forse, in questo istante, non esiste più. Avvertiamo il fiato giallo e lucente di una cosa morta. L’arte di Nessuno non parla al mondo degli umani, dei viventi, ma a quello dei sogni. 

Il primitivo è la somma di due tensioni: l’ingenuità e la ferocia. Scartiamo subito il giardino edenico, profumato, superbo. L’uomo non è mai ingenuo, il male lo mina fin dalle origini. È ingenuo perché privo di storia, è semplice, manca di tridimensionalità, è un uomo bidimensionale. È feroce, in fondo, proprio perché ingenuo. In qualche modo, condizionato da strutture piuttosto nette, indiscutibili, quest’uomo vive la ferocia come uno dei criteri comuni di un’esistenza. Eppure, già laggiù, nell’alba del mondo, la vita è scissa, definitivamente. Al desiderio non corrisponde l’atto, perché bisogna rendere conto al clan, al sacerdote, al dio. Così, il cielo si colma di terrificanti moti astrali, la speranza in un tempo migliore, nuovo, spacca il cuore dell’uomo dei primordi. Non si vive ma si spera, non si agisce ma si compie un rito. In realtà, feroce e ingenuo, come può esserlo soltanto un dio geloso e vendicativo, perentorio e maresciallo, è il bambino. Il bambino, coerentemente, è semplice perfino nel male, è ingenuo. Odia il proprio compagno e ne desidera la morte. Nel 1954 William Golding pubblica il suo libro più alto e tremendo, Il signore delle mosche. In epoca di post-primitivismo, di implosa età dell’oro e delle favole dell’infanzia, uno scrittore dal possente impeto morale ci dice questa cosa: se un gruppo di bimbi capita su un isola deserta non fonda un asilo, ma un inferno. I bambini di Golding si riducono a semiselvaggi capaci delle violenze più estreme, ingenue e feroci (non è casuale che nel 1964 Golding pubblichi un romanzo, Uomini nudi, che unico nel suo genere, narra l’epopea di un clan dei primordi). Questo per dire che al primitivo, all’ingenuo, non corrisponde una innocenza dello spirito. Nel pennello e nella penna dell’artista ingenuo non vigila l’Adamo ricostruito, bensì l’Adamo caduto, con ancora i segni radicali della caduta, e la spina dorsale che scodinzola come una corda spessa, cruda. Semmai, l’innocenza – ristabilita, riequilibrata, frutto di studio e pratica matti e disperanti – è nello sguardo. Sgombro dalle celie e dalle menzogne moderne, dalla quadridimensione dei palazzi di cristallo, delle esposizioni da mercanti d’arte e di carne. Allora, sì, il pittore, quello attrezzato a puntino, decide con coscienza di appiattire le forme, tornare al segno primo e inciso, definitivo. Come a dire, non è più il tempo di giocare con l’arte, d’intrattenere il palato dei committenti, ma di centrare il marchio, singolo, indelebile, che cambierà il mondo, che resisterà per millenni. Proprio come il graffio sempiterno dell’ominide che ha raffigurato la mascella del sauro, il profilo dell’arco, il torso smembrato, cannibalizzato, del bue.

Eppure, il bambino-bestia esiste. Quello che ci è necessario per comprendere il tratto di questi ‘innocenti’ della domenica. I libri della giungla vengono pubblicati tra il 1894 e il 1895, negli anni in cui Rousseau il Doganiere è in piena folgore e si scoprono, inopinatamente, le grotte superbe dei nostri ancestrali antenati – nel 1869 un cacciatore svela l’ingresso di Altamira, proprio nel 1895 Rivière scoprì alcuni graffiti di rilievo nella grotta di La Mouthe, in Dordogna. Mowgli, il bambino cresciuto tra i lupi, denudato dal frac disneyano, è ingenuo e feroce. Ancor più, è vendicativo. Per altro, vive in una modernissima condizione di esilio. È poco più – o poco meno – di una fiera, e poco meno – o poco più – di un uomo. Né di qui né di là, come il pittore neoprimitivo, come l’ingenuo della domenica, che non appartiene ai club degli artisti da caccia alla volpe, né a quello dei cittadini comuni. Nessun animale riesce a sostenere lo sguardo inquisitorio, profondissimo, umano di Mowgli, eppure per il mondo degli uomini costui non è che uno stregone. Nel racconto, terrificante e cupo, da danza ebbra, La giungla alla riscossa, Mowgli guida l’elefante Hathi e tutte le bestie della foresta contro il villaggio degli uomini. I demoni eretti hanno fustigato Messua, la donna che ha ricoverato Mowgli, per questo debbono pagare. Mowgli, impietosamente, guida la riscossa della foresta finché “là dove meno di sei mesi prima si era arato, la Giungla ruggiva a tutta lena”. La piaga è biblica, e sul devastato non si ricostruirà più nulla. In quel racconto la pantera Bagheera celebra Mowgli, il dio bambino ingenuo e tremendo, il figlio del vento, astuto come un uomo ma feroce come una belva, verso cui nutrire un cauto, corretto terrore: “E tu saresti la creatura inerme in favore della quale ho interceduto presso il Branco, quando il mondo era giovane? Signore della Giungla, quando le forze mi abbandoneranno, intercedi per me… intercedi per Baloo… per tutti noi intercedi! Di fronte a te noi siamo cuccioli! Ramoscelli infranti sotto il piede! Cerbiatti che hanno perso mamma cerva!”.
Per André Malraux, scrittore piuttosto estremo, amante – e ladro gentiluomo – dell’arte estrema e primordiale, la questione stava in questi termini: “Il bambino artista è come Kim, che sognando conquista le città”. Ancora Kipling. Kim viene pubblicato nel 1901, e racconta, dickensianamente, le avventure di Kimball O’Hara, fanciullo inglese fattosi forte in India. Anche in questo caso, come in quello di Mowgli, un bambino sul confine. Astuto e polimorfico, proprio perché non appartiene ad alcuna gabbia. Sta comodamente tra gli indù e i cristiani, al braccio di un guru o di un maresciallo dell’esercito, le sue origini e il suo destino sono estremamente ambigue. Metto altri ceppi nel fuoco. Un anno dopo la comparsa da folletto e da istrione di Kim, nel 1902, barbaglia dalle fornite librerie d’Albione un volume di racconti. S’intitola Youth: A Narrative, and Two Other Stories, lo stampa l’editore Blackwood, porta marchiato un esergo che è quasi una dichiarazione d’intenti, fulminea e radicale (“Ma il Nano rispose: ‘No, qualcosa di umano è più caro per me che tutta la ricchezza del mondo’”, cavato da un racconto dei fratelli Grimm) ed è dedicato “To my Wife”. Lo scrittore, manco a rimarcarlo, è Joseph Conrad. Tra i tre racconti spicca, sulfureo, infernale, demoniaco, il celebre Heart of Darkness, compilato e compiuto qualche anno prima, nel 1899, cioè prima che Kim nascesse. In questo racconto, onirico e perfetto, non ci sono bambini ma due uomini, Marlow e Kurtz. Il primo, che narra la sua storia spettrale, sperimenta le tenebre dei primordi risalendo il fiume Congo. Ne è travolto, sbigottito, ma non smarrito. Il secondo – reso leggendario da Marlon Brando in Apocalypse Now – è il campione disumano perduto nella foresta vergine, in cui instaura un dominio basato sulla violenza e l’orrore. Per lo meno, ci pare. Già, perché Kurtz è un genio ambiguo. Di lui si sa tutto e nulla. Per alcuni è un ottimo capopopolo, per altri un farabutto. Per altri ancora è un sagace giornalista, oppure un grande musicista. Per la donna lontana era un uomo superbo, un amante perfetto. Non si sa con precisione dove sia nato e dove sia vissuto, Marlow ipotizza che l’intera Europa abbia congiurato per creare un simile satanasso. Dalla vigorosa possanza profetica. Sì, eppure, quando lo incontriamo, e di sfuggita, di sguincio, nel pieno della tragedia, Kurtz non ci lascia nulla se non la sigla del suo testamento, il flebile sussurro “The horror! The horror!”. Cosa fa tanto orrore? La morte, la giungla, la vita? È il delirio di un folle o il proverbio di un saggio?

Ci muoviamo sul crinale, in equilibrio sulle fauci del nulla. Mowgli, Kim, Kurtz. Non è forse simile il pittore privo di tecnica, d’industria, di mercato? Il pittore ingenuo non è tale per deficienza ma per eccesso di sapienza. Sceglie di tirarsi fuori dalla mischia, dal torbido agone. Non parlo espressamente di Picasso, di Matisse e di Derain, di Modigliani, di Paul Klee o di Emil Nolde. Costoro, artisti superbi, superiori, furono catturati dai primordi, dalle giungle assolute e dalle maschere tribali per gettare una falce in fronte all’arte moderna, quella dei club, anestetizzata, svilita. Dopo tutto, grandi artisti che prendono spunto da terre esotiche, dove il segno, primo e segnaletico, unico, risplende ancora incontaminato – almeno ai loro occhi ingenui – come un getto di lama. Parlo dei discepoli del “Doganiere”, o di chi lo ha preceduto. Pittori semplici e reietti, in esilio. Solitari, che non appartengono a nessuno se non a se stessi e al proprio pennello. Curiosi Kim, profetici Kurtz, avventati Mowgli che esplorano, prima di tutto, i primordi della propria anima. Scavandola fino all’osso più puro e duro, inossidabile. Che a volte terrorizza.

Il professionismo nell’arte non esiste, non è nemmeno plausibile. Eppure, nel mondo moderno vale la prospettiva opposta. Se un artista vale tot, vuol dire che vale davvero. I gradi, in sintesi, contano più del talento. Questo produce una riscossa drammatica, perché i gradi, infine, con uno sforzo minimo o maturo si ottengono sempre. Il grado, il valore di mercato annulla l’idea, basica, che l’arte sia un rischio, uno scandalo. Ma se un quadro non rischia ad ogni pennellata il fallimento, non conta nulla. Per quel che mi riguarda, poi, mi scandalizza soltanto ciò che non è scandaloso.

Siamo circondati, bombardati e travolti da ciò che alcuni ci dicono essere arte. Noi, incapaci ormai di distinguere il bello dal brutto, il bene dal male e il giusto dal malvagio, accettiamo ogni cosa. Se lo dice lui, che è esperto, sarà vero. Senza riflettere che è più plausibile l’ipotesi di un dio che ha creato il mondo e l’uomo piuttosto che quella di un critico d’arte che ci spieghi l’arte contemporanea. Assorbiamo senza giudicare, questo è l’inizio della fine. Perché l’arte non parla al cuore, né alle anime belle e poetiche – quelle sono carne da macello per critici-mattatori – ma ci stravolge, ci cambia lo sguardo, ci converte. In un saggio assai celebrato, dal titolo La mano del tintore, il poeta Wystan H. Auden riassumeva la questione del professionismo nell’arte così: “Agli occhi altrui si è poeti se si è scritta una bella poesia. Ai propri, lo si è solo nel momento in cui si danno gli ultimi tocchi a una poesia nuova. Un attimo prima si era ancora e soltanto un poeta in potenza; un attimo dopo si è uno che ha smesso di far poesia, forse per sempre”. Non c’è null’altro fuori da questo perpetuo, baluginante abisso. Chi crede di fare dell’arte una professione – e le professioni si ottengono sommando gradi su gradi, facendo levitare in qualche modo le quotazioni – ritagliandosi un misero cantuccio nella storia, in un’epoca in cui tutti possono studiare Prassitele o Michelangelo, Tiziano o Picasso, merita di essere lapidato.

L’arte non è innocente, e la ricerca di una nuova età dell’oro ha sempre provocato danni immani. L’innocenza non è alle nostre spalle, non si ricostruisce, semmai ci è davanti, si raggiunge presupponendo l’omicidio, il male, la perversione. Solo allora quella minima rosa nel vaso, appena accennata, avrà un senso miracoloso. Un mondo è passato, distrutto, e un altro, consecutivo, è in fiore.
Nel Diario di uno scrittore, pubblicato in concomitanza con la sua morte, e che radunava saggi, articoli, provocazioni scritte con penna arguta e acuminata nell’arco di un decennio, Fëdor Dostoevskij inserisce anche una manciata di racconti. Tra questi, spicca per densità drammatica e profetica Il sogno di un uomo ridicolo. Il testo raduna, condensati, un po’ tutti i temi forti di Dostoevskij, e s’incastra, essendo stato scritto a ridosso dei “Karamazov” e dopo L’adolescente, nella sua stagione ultima e limpida. La storia è quella di un “uomo del sottosuolo” che ha una intuizione drammatica: “al mondo ovunque tutto è indifferente”. Dacché ogni cosa equivale a un’altra, quest’uomo decide di uccidersi la sera stessa. Sennonché, sulla via di casa, incoccia in una bimba, allarmata, che richiede aiuto. Egli la scaccia con prepotenza, ma l’evento, misero e simbolico assieme, lo tormenta. Rapito nei suoi pensieri, desolato nella sua camera, l’uomo non si uccide ma sogna – siamo ancora e sempre in un mondo onirico, ma più reale della realtà. Sogna di essere “su una di quelle isole che formano l’arcipelago greco” (ricordate, l’Odissea?), circondato da uomini perfetti, che vivono in “una sorta di innamoramento reciproco, totale, generale”. L’uomo ridicolo fa esperienza dell’Eden, vede istoriata sulla plancia del sogno una nuova o antica era dell’oro. Eppure, la verità dell’uomo terrestre lo turba, lo ossessiona, non gli dà pace né scampo: “Sulla nostra terra noi possiamo amare veramente soltanto con sofferenza e attraverso la sofferenza! Noi non siamo capaci di amare in altro modo e non conosciamo altro amore. Io voglio la sofferenza, per amare”. Nel sogno, che si volge repentinamente da placido in inquieto, l’uomo ridicolo corrompe quella stirpe di puri di cuore, “come una cattiva trichina, come un atomo di peste che infetta nazioni intere, così io infettai tutta quella terra felice e innocente prima del mio arrivo”. L’Eden si snatura, ruota in cruda mota terrestre, e peggio ancora. Quando l’uomo si sveglia dal sogno, allucinato, comincia a profetizzare per le vie di Pietroburgo una verità lì da duemila anni ma pur sempre valida: “ama gli altri come te stesso, ecco la cosa principale, ed è tutto, non occorre proprio niente altro”. Ovviamente, gli uomini comuni prendono il nostro ridicolo per pazzo, per un delirante. Per un sognatore. Stringo nel polso il racconto, lo faccio ruggire. Non è forse quello che fanno i nostri ‘ingenui’? Profetizzano l’era dell’oro, per lo meno quella del sogno. Ed essendo dei signori ‘nessuno’, vengono scambiati per ridicoli, per pittori azzardati, infelici e infantili. Poco importa, ormai sappiamo che solo al ‘nessuno’ è concessa l’esplorazione millimetrica nelle regioni dell’ignoto e dell’imperlustrato, dell’imprevisto e dell’ignorato. Tutte cose che non possono essere catalogate in una speciale etichetta che faccia fieri i criticonzi dell’arte contemporanea, i galleristi-avvoltoi e gli artisti-faine. Meglio così. Ode ai signori ‘nessuno’ e ai ridicoli di ogni tempo. 
 
Nella vita, almeno per un attimo, tutti siamo stati Arthur Rimbaud. Ingenuo e feroce, radicale e assoluto, egli, assurdamente, è il simbolo della fanciullezza. In cui il sogno è plausibile, l’ignoto verificabile, lo sconfinato la garbata aiuola sotto casa. Rimbaud, il poeta bambino, è il padre e il paladino dei moderni neoprimitivi. In qualche modo, li identifica nella sua opera più alta e insolvibile, Une Saison en Enfer (1873), in particolare nella seconda porzione dei Délires. “Mi piacevano i dipinti idioti, soprapporte, addobbi, tele di saltimbanchi, insegne, miniature popolari; la letteratura fuori moda, latino di chiesa, libri erotici senza ortografia, romanzi delle bisnonne, racconti di fate, libretti per bambini, vecchie opere, ritornelli insulsi, ritmi ingenui”. Camera delle meraviglie all’opposto, di traverso, in cui splende il disusato e l’abusato, l’informe, il grottesco, il polveroso. Il Doganiere, mirando le tracce, le trecce che sbrecciano le sue mani, cerca di intercettare la propria sorte, che già Rimbaud il veggente gliela impiatta. Con beata frustata ai marchingegni stilosi, innocui, d’allora: “trovavo risibili le celebrità della pittura e della poesia moderna”. Il poeta dell’“estrema innocenza”, dell’ingenuità selvaggia, millenaria, ci dice già tutto, basta assecondarne le vie, serpentine e difformi. Occorre fare così, passeggiare intorno a questi quadri imbracciando il volume catastrofico e definitivo di Rimbaud. Come alchimisti che abbiano scoperto la pietra perfetta in grado di dare eternità al morituro. “Sognavo crociate, viaggi di scoperte di cui non è rimasta relazione, repubbliche senza storia, guerre di religione represse, rivoluzioni di costumi, spostamenti di razze e di continenti: credevo in tutti gli incantesimi”. Per rilevare e far esplodere l’incantesimo, fiammella che scaturisce frizionando gli occhi, è necessario lo sguardo, non innocente ma ingenuo. Il pittore marchiato dal mondo moderno, vacca da macello e da mungitura, ci introduce semmai in una forma raffinata del già noto. Eppure, l’inesplorato, l’insepolto appartengono al folle, al fanciullo, al dilettante. Che non si “diletta” perché il talento di stendere colori o versi o tocchi di scalpello gli scalda il cuore; al contrario, è l’istinto ferino, impossibile, che lo guida. Così che il segno, in verità, si muta in scavo, il gesto della penna o del pennello in graffio, dentata, pugnalata. Eccoci all’evento: come l’ominide brutale che incide per sempre la propria storia sulla parete, ampia e vigorosa come una tela.
Perlustrazione in Rimbaud. Nella lettera a Paul Demeny, datata “Charleville, 15 mai 1871”, specie di vulcanica, bizzosa dichiarazione di poesia, ci sono un paio di cose indimenticabili. Primo: Rimbaud fa piazza pulita di tutta la tradizione che lo precede. La studia, la ha amata, la getta nel baratro. L’arte puzza di marcio e, più che disincantata, è asservita alla mediocrità comune. Che cosa deve fare il poeta (o il pittore)? “Egli cerca la sua anima, l’indaga, la tenta, l’impara”. Infine, in scalata solitaria e privo di ramponi, “si fa ‘veggente’”. Fino a giungere lì, alle soglie dell’ignoto, ormai per tutti “il grande malato, il grande criminale, il grande maledetto – e il Sommo Sapiente!”. Tolta qualche incrostazione da maledettismo Liberty, il punto è chiaro. Con “balzo attraverso le cose inaudite e innominabili” e un programma a ventiquattro carati: “enormità che diventa norma […] indagare l’invisibile e udire l’inaudito”. Il che vuol dire, disporsi per sempre al rischio, al balzo angelico e a quello che schianta la schiena, con la spina dorsale che s’incunea nel tombino simile a una vipera. Rimbaud non ci dà una lezione di stile (son passati i tempi del gigantismo infernale ormai museale e di facciata) ma di attitudine. Ci mostra la plancia e ci indica la qualità del tuffo. Incava il torso, rotea le braccia, volteggia le gambe, e l’azzurro, spianato come una pupilla, ti attende. Peraltro, quando si trovò a rincorrere il sogno, l’ignoto e quanto aveva già scritto, prevedendolo, a Rimbaud l’ex fanciullo andò malissimo. Papale ingresso nel delirio del mondo. Non scriverà più un verso, intraprende attività oniriche come il commerciante d’armi, l’avventuriero, infine il vagabondo. Genova, Cipro, Alessandria d’Egitto, poi Aden, Harar. Si spinge in luoghi africani mai esplorati prima da sguardo occidentale, europeo. 5 maggio 1884, da Aden, missiva destinata ai famigliari: “Che esistenza desolante conduco sotto questo clima assurdo e in queste condizioni insensate!”; “La mia vita qui è un vero incubo. Non vi figurereste mai come me la passo male. Lontano da lì: io stesso vedo sempre che è impossibile vivere più penosamente di me”. Il sogno, nel mondo, si fa crudo, impossibile. La vita è separata indicibilmente dall’arte. “Je est un autre”, io è un altro, scriveva perentoriamente Rimbaud al sodale Demeny, perché l’artista quando crea è sempre altrove, è sempre altrui. Quando volle essere se stesso, Rimbaud si smarrì.

Ingenuità all’italiana. È vero, il nostro “selvaggio”, in anni di cruciale primitivismo, è stato Dino Campana. Il folle, l’idiota, la magnetica bestia i cui Canti orfici equivalgono a un quadro di un “semplice”: tinte forti e pennellate dure, contorni nettissimi. Ambigua ma esemplare la sua storia, poi virata, malgrado lui, in leggenda: il matto viene disteso nel manicomio di Castel Pulci e lì marcirà, fino a morire, nel 1932. Ardengo Soffici non sopportava le irruenze del mefistofelico Campana, né la sua posa eccessiva da “maledetto”, eppure, nel 1911, scrisse uno scoppiettante profilo di Arthur Rimbaud. Eccolo a proposito della Stagione all’Inferno: “Che cosa sono qui il bene, il male, il bello, il brutto, la ragione, la pazzia? Non più categorie, non più leggi, non più freni. L’abisso freddo e tremendo abitato solo dal mistero. Ma mentre gli altri restavano a vagolare spauriti a pie’ di questo mostro piantato nelle tenebre, egli s’è fatto coraggio e s’è arrampicato lungo i suoi meandri fino a ritrovar la luce”. C’è da intravedere, in questa dantesca fuga, il percorso celeste e infernale dei “semplici”.
Eppure era stato già detto tutto. Il “fanciullino” di Giovanni Pascoli non è soltanto il bimbo che dentro di noi non vuol farsi grande, il Peter Pan di cartapesta che continua a svolazzare usando le nostre viscere come aquiloni o deltaplani. È lo spettro che ambisce al mondo del sogno – e perciò dell’attenzione desta, diurna – e rigetta le leggi mortali. “Egli è l’Adamo che mette il nome a tutto ciò che vede e sente. Egli scopre nelle cose le somiglianze e le relazioni più ingegnose. Egli adatta il nome della cosa più grande alla più piccola, e al contrario. E a ciò lo spinge meglio stupore che ignoranza e curiosità meglio che loquacità: impicciolisce per poter vedere, ingrandisce per poter ammirare”. Pubblicato nel 1897 e compiuto nel 1902, Il fanciullino respira assieme a Mowgli e a Kim, assieme al Doganiere e assieme al bambino tremendo Kurtz. Si scavalca il secolo e gli artisti, disparati e dalla cima di diversi fari, sentono la pressione dei primordi. Esplode l’inconscio, vorticosamente, si studia il selvaggio. Ma ogni ‘primitivismo’ sorge quando il primitivo è già irraggiungibile, non più verificabile, come la cucina ‘della nonna’ che diventa business solo quando le nonne son morte da cent’anni. Siamo perduti, dicono gli artisti, salviamoci. Umberto Saba, il burbero poeta semplice, latrava ai quattro venti che “ai poeti resta da fare la poesia onesta”. L’onesto, il necessario. La poesia tersa, che lascia sgomenti e senza scampo, infrangibile, perfino intoccabile. Decisiva fin nella singola lettera alfabetica. Saba sapeva bene che la verità in letteratura chiede in cambio il sacrificio dell’artista. Ma non c’è alternativa per scampare allo sfascio dell’uomo che gioca a fare l’arte. L’arte non si gioca, si rischia. E la semplicità, per noi corrotti, si ottiene al prezzo di magistrali fallimenti, di percorsi ipertortuosi e di mastodontiche scavature.

Manca all’appello Cesare Pavese, che quest’anno, tiro da biliardo del caso, avrebbe compiuto cent’anni. Pavese l’ingenuo, che pagò tragicamente la propria ingenuità. E che per tutta una vita ha tentato la via del selvaggio, del Gauguin della letteratura. Amava gli americani, Pavese, tanto da averli tradotti e impiattati per i nostri occhi. Herman Melville e Sherwood Anderson, Walt Whitman e William Faulkner. D’altro lato, adorava i greci antichi con devozione furente e didattica, saldata per sempre nel libro a lui più caro, i Dialoghi con Leucò. Oltreoceano Pavese cercava l’ingenuità smarrita, le «sensibilità nude e primordiali», i colori aspri, vividi, intoccati, come il Gauguin che fugge la città per i paradisi tropicali e disumani delle Samoa; in Grecia la fanciullezza del pensiero, la prima, involuta età del mondo. Chi legge Il mestiere di vivere, il drastico, drammatico zibaldone di Pavese, non si stupirà nel rivedere il ‘fanciullino’: “L’infanzia non conta naturalisticamente, ma come occasione al battesimo delle cose, battesimo che ci insegna a commuoverci davanti a ciò che abbiamo battezzato. A qualunque età possiamo battezzare. Ma occorre essere tanto ingenui da credere che questa trasfigurazione sia la conoscenza oggettiva. Per questo di solito l’infante ci riesce” (15 giugno 1943). Pavese l’ingenuo, che tenta il naïf nel romanzo, con La luna e i falò, per esempio, o con le poesie, volutamente sghembe, antiretoriche, schive. “Dov’è l’interesse per il selvaggio, che pure t’incute?”, si domanda Pavese l’ingenuo, che poi ci consegna, per tocchi, una lezione di storia della letteratura: “L’arte del Novecento batte tutta sul selvaggio. Prima come argomenti (Kipling, D’Annunzio ecc.), poi come forma (Joyce, Picasso ecc.). Leopardi con le illusioni poetiche giovanili ha vagheggiato questo selvaggio, come forma psicologica. […] Il selvaggio t’interessa come mistero, non come brutalità storica. […] Selvaggio vuol dire mistero, possibilità aperta” (10 luglio 1947). In fondo, l’artista, grande o modesto, eccellente o casalingo, è sempre selvaggio, ingenuo e feroce. L’artista è sempre Mowgli. Altrimenti, molto semplicemente, non è artista. Piuttosto, chiamatelo showman, o portaborse.

Ancora Cesare Pavese. La sua passione per il primordiale e il selvaggio dà frutti editorialmente muscolari. Nel 1947 vara per Einaudi, con la collaborazione di Ernesto de Martino, la “Collezione di studi religiosi, etnologici e psicologici”; nel 1948 legge e legalizza le prime traduzioni da Omero di Rosa Calzecchi Onesti (“un lavoro da fare tremare i precordi”, le scriverà), traduce la Teogonia di Esiodo. In quegli anni, Pavese si appassiona alle esplorazioni accademiche del geniale storico delle religioni Raffaele Pettazzoni. Costui, per gli ‘avversari’ della Utet, compila un’antologia titanica di Miti e leggende (1947-1963) del mondo (nel terzo volume, destinato all’America Settentrionale, viene omaggiata, tra gli artisti che “per primi hanno sentito il fascino e il richiamo di queste forme arcaiche”, “l’esperienza e la testimonianza di un umanissimo poeta, Cesare Pavese”). In qualche modo la selvaggia saggezza dei ‘primitivi’ ottiene la laurea. Ciò che dice il Pettazzoni a proposito della “forza arcana e possente” del mito, del racconto ancestrale delle origini, la cui verità “non è di ordine logico; nemmeno è di ordine storico: è, soprattutto, di ordine religioso, e più specialmente magico”, vale, con le regolari differenze, per i ‘semplici’. I quali, come sappiamo, antepongono alla storia il sogno, alla ragione il ragionevole delirio, l’ossimoro. Accogliamo il pensiero del savio Pettazzoni: “Verrà un giorno in cui anche i miti delle origini perderanno la loro ‘verità’ e diverranno a lor volta ‘storie false’, ossia favole – e ciò sarà quando anche il loro mondo, costituitosi sulle rovine del primo, andrà a sua volta in frantumi per dar luogo ad una ulteriore formazione diversa. Così infatti procede la storia, per successive disgregazioni e reintegrazioni, dissolvimenti e rinascite, nella perenne alternativa del vivere e del morire”. E se questi quadri, semplici e primordiali, netti e impietosi, non risvegliassero un mondo perduto – quello lo fanno gli accademici – ma preparassero le origini di un mondo nuovo? 

Bizzarria della storia e della cultura, che provo a segnalare così. Il moralista viennese Sigmund Freud, che si può dire abbia informato di sé l’intero Novecento, ci ha spiegato due cose. Che l’uomo è una malattia (il concetto gli giunge per direttissima da Nietzsche: “una di queste malattie della terra si chiama, per esempio, uomo”) e che l’uomo è un sognatore. Anzi, che forse la verità dell’uomo la si ricava proprio studiando i suoi sogni. In realtà, l’essere che deambula giornalmente per le vie del mondo non è che un calco, imperfetto e statico, estratto da quella materia volubile e complessa. Come si sa, lo smascheratore Freud utilizzò i propri saperi per scavare nelle nevrosi e nei miti dei popoli dei primordi, dei selvaggi moderni, ricavandone un volume di successo, Totem e tabù (1912). Paul Valéry, che in qualche modo anticipa le risposte e gli inquieti interrogativi di Freud, ci rivela, dalla matassa baluginante e insolvibile dei suoi Cahiers, una verità impossibile: “C’è qualcosa di terribile nell’essere ciò che si è. Se io è qualcosa, esso è niente”. Fate dialogare questo assioma, imperdonabile e imperdibile, con quanto detto a proposito di Odisseo e di Rimbaud. Risolveremo l’enigma dei “nessuno” così: ogni vero, grande artista è sempre e comunque un “nessuno”. Pena la squalifica dell’opera.

Lezioni evangeliche. Come si sa, si giunge al Padre attraverso il Figlio, in fondo tornando fanciulli. Più che un ritorno, una conquista. Non c’è nessun Eden da raggiungere, ma una vita da vivere. Con uno sguardo che setaccia, attento, particolare, impietoso. I bambini sono impietosi perché non distinguono il bene dal male. Proprio per questo, l’attimo dopo aver accusato, sanno perdonare. “In verità vi dico: se non vi convertirete e non diventerete come i fanciulli, non entrerete nel regno dei cieli. Chi dunque si farà piccolo come questo fanciullo, questi sarà il più grande nel regno dei cieli” (Mt 18, 3-4). Questo dice Gesù, con perpetuo, drammatico sbilanciamento dei piani comuni, per cui il piccolo è in verità l’altissimo, il povero il ricco, l’ignorante il sapiente. Come se tutto il mondo si convertisse. Ecco, convertirsi. Convertire dopo tutto significa ruotare, svoltare, cambiare rotta e marcia. Torna Rimbaud: “La scienza, nuova nobiltà! Il progresso. Il mondo cammina! Perché mai non dovrebbe svoltare?”. Non c’è malinconia nelle parole di Gesù, nessun ritorno al passato in un pensiero teso costantemente a oltrevarcare i paradossi, spinto alle estremità dell’accettabile. Si diventa bambini essendo adulti. Anzi, l’adultità, la saggezza, è fanciulla. Perché il giudizio è semplice, spoglio, netto. Impietoso, sì. Ingenuo e feroce. I Vangeli sono pieni di bambini, Gesù ama farsi assediare da loro, con loro il dialogo è teso, depurato (“Allora gli furono portati dei bambini affinché imponesse loro le mani e pregasse; ma i discepoli li sgridavano. Gesù però disse: ‘Lasciate, non impedite che i bambini vengano a me, poiché di essi è il regno dei cieli’” (Mt 19, 13-14); “Quindi, preso un bambino, lo pose in mezzo a loro e stringendolo fra le braccia disse loro: ‘Chi accoglie uno di questi bambini in nome mio accoglie me e chi accoglie me non accoglie me, ma colui che mi ha mandato’” (Mc 9, 36-37). Bambini e donne affollano i Vangeli. Le creature marginali, ignote, deboli. Ma è tutta apparenza. Perché il debole, in realtà, è il più forte.
Paolo di Tarso, come al solito, complica le cose. “Fratelli, non comportatevi da bambini nel giudicare, siate fanciulli quanto a malizia ma adulti nei giudizi” (1 Cor 14, 20). L’adulto è smaliziato, e forse per questo è savio, cioè discerne il bene dal male. Il bambino è innocente, ma anche impulsivo, gli sfuggono i contorni delle cose. La prospettiva, sgranata, cambia. Gesù parla del regno dei cieli, in cui concetti come bene e male, giusto e ingiusto sono superficiali, inutili; Paolo, oratore infallibile, organizzatore sublime, si riferisce al mondo degli uomini, in cui i bambini debbono essere educati, sono facili prede. Stringi stringi, esaltando diabolicamente i versetti biblici cosa mi assilla? Che l’artista, costantemente di fronte alla scelta – cosa raffigura, con quali colori, attraverso quali tecniche, che cosa vuole significare… – deve convertirsi. Bambino e selvaggio, piccolo, spaventoso Mowgli che si aggira tra le aule barbaglianti degli atelier di grido, ululando. L’arte fa spavento, atterrisce. Una rosa dai petali aperti, simili a mille millenari volti, nel suo vaso appena stuzzicato dal pennello. Intorno il vuoto, monastico. Non serve altro. I mercanti-avvoltoi dell’arte, che rivendono e propinano carcasse, che volino altrove.  

Shere Khan ha la testa memorabile e gigantesca della tigre di Antonio Ligabue. È ‘tuttabocca’, rossa ed esorbitante, con la lingua che assomiglia all’architettura alare di un angelo. I denti, bianchissimi, cadono e s’incrociano come un rosario, gli occhi a mala pena si vedono, scompaiono dietro il naso, i baffi, le striature complesse e cabalistiche. Shere Khan è il male, violento, e Mowgli, per diventare creatura, deve ucciderla. Altrimenti, è destinato a restare spettro inerme, sogno abortito o appena abbozzato. Ma la caccia grandiosa è quella contro il dhole, il Cane rosso, come è chiamato il racconto più grave e ferino dei Libri della giungla. Il dhole, figura dell’avidità incontrastata e della fame impietosa, attacca in branchi incalcolabili. Attraversa la giungla e la squassa, la esaurisce, consumandola, e non c’è bestia che possa opporsi a questa piaga biblica, assalto delle locuste e pioggia di fuoco assieme. Ma Mowgli, l’artista selvaggio, il bambino bestia, che può essere ogni cosa non appartenendo a nulla (“Mowgli il Ranocchio sono stato, Mowgli il Lupo ho detto di essere. Ora dovrò essere Mowgli la Scimmia prima di diventare Mowgli il Cervo. E da ultimo sarò Mowgli l’Uomo”) riesce nell’incredibile, affronta e doma l’impossibile. Grazie all’astuzia, ma soprattutto alla capacità di parlare e di persuadere tutti gli animali, senza distinzioni di clan – Mowgli è tutti e nessuno – il bambino silvestre disperde il branco dei dhole, anzi, lo annienta. “Tu sei in tutto e per tutto uomo, altrimenti il Branco sarebbe fuggito davanti ai dhole”, gli ripete Akela, l’antico capolupo, morente. “Mowgli costringerà Mowgli. Torna dal tuo popolo. Va’ dall’uomo”, conclude la bestia. Il mondo dei sogni, magnifici e terrificanti, sublimi e selvaggi, si occlude, albeggia quello degli uomini. Eppure, sconsideratamente, con la furia felice degli ingenui, i nostri ‘primitivi’, pittori del sogno e della giungla, restano pur sempre sul valico. Tra il villaggio degli umani e il covo dei feroci. Ancora, orgogliosamente dei ‘nessuno’, perché come Mowgli possono essere ogni cosa, la tesi e l’antitesi, il concetto e il proprio opposto, l’arma superiore e il modo per disinnescarla – e i dhole, per caso, non vi ricordano la pulsione viscerale e stomachevole, disperata di certi negrieri dell’arte contemporanea? Dopo tutto, come sussurrava Norman O. Brown in cima al decisivo Love’s Body (1990), “Almeno nella vita dello spirito, le avventure andrebbero portate fino in fondo”.    

L’unica certezza è che siamo mortali, che invecchiamo, che le cose, anche i segni più duraturi e granitici, sono destinate a liquefarsi. Che cosa riassume la nostra vita? La somma dei nostri atti, delle nostre scelte, delle nostre opere? È troppo poco, e in fondo, siamo un desiderio. Sporgiamo verso di esso. Siamo sempre l’ultima cosa che stiamo facendo, l’ultimo oggetto che vorremmo contemplare, l’opera magnetica che attende di giustificarsi in uno scritto o su un quadro. Perfino, potremmo sacrificare tutto ciò che siamo stati per un volto ignoto, una fuga imprevista, un implausibile e imperdonabile sogno. In fondo, il sogno e l’impossibile costituiscono la nostra armatura di uomini. Per questo la mostra a cui assistete, il gesto, è un pugno. Nella bocca degli inferi e del mondo. Un atto, ecco cos’è questa mostra. Un appello. Perentorio e senza scampo. O di qui o di là. O con noi o contro di noi. Un colpo storico e politico. Per cambiare il mondo o distruggerlo platealmente, con una stele in cima. Tutti salvi, o nessuno.

Davide Brullo

Catania Arte Fiera 2008

Martedì 15 Aprile 2008

CENTRO FIERISTICO LE CIMINIERE

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La Galleria Massimo La Piana di Palermo partecipa alla quarta expo d’arte moderna e contemporanea  CATANIA ARTE FIERA duemila8
presso il Pad. 1 stand n°38 dove saranno presentati i seguenti artisti:


 Andrea Di Marco - Croce Taravella - Momò Calascibetta - Ugo Attardi -
Tommaso Chiappa - Bruno Caruso - Renato Guttuso - Piero Guccione
- Mino Maccari - Corrado Cagli - Daniele Palma

La Piana Arte Contemporanea
Direttore Massimo La Piana
tel/fax-091.6127213
cell.- 333.7332351
massimolapiana@yahoo.it

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Nel cuore del Mediterraneo la più grande expo d’arte moderna contemporanea dell’Italia centro meridionale. Catania Arte Fiera, uno degli appuntamenti per il settore artistico di maggior prestigio nella nostra penisola, giunge alla quarta edizione dopo il successo delle precedenti in cui ha registrato un’affluenza di oltre 29000 presenze. Sempre proiettata nella duplice direttrice nazionale e internazionale, Catania Arte Fiera accoglie artisti, gallerie, stampa specializzata, critici d’arte, collezionisti provenienti da tutta Europa, da oltre oceano e perfino dal Giappone.

Dal 17 al 21 aprile apre le porte Catania Arte Fiera, l’expo di arte moderna e contemporanea più grande dell’Italia centro meridionale, organizzato dallo Studio AL, di Antonio Ognisanto.

Catania Arte Fiera è uno degli eventi artistici più importanti sul panorama italiano che coinvolgerà il cuore del capoluogo etneo per cinque giorni grazie alla presenza in Fiera di gallerie di calibro nazionale e internazionale, riviste ed editori di settore, collezionisti d’arte, stampa specializzata, critici d’arte. Un meltin-pot di presenze che si snoderà per i saloni del Centro Congressuale Fieristico Culturale Le Ciminiere, l’area espositiva collocata nel cuore di Catania, che accoglierà gli stand degli artisti e sarà sede di eventi collaterali che si svolgeranno per ognuna delle cinque giornate della Fiera.

Martedì 8 aprile alle ore 10:30, in piazza Università, si terrà la conferenza stampa di presentazione della quarta edizione di Catania Arte Fiera, l’expo di arte moderna e contemporanea che si terrà alle Ciminiere di Catania dal 17 al 21 aprile e che per la serata inaugurale del 17, prevede la presenza del critico d’arte Vittorio Sgarbi.

programmazione catania arte fiera pad F1 centro congressuale fieristico culturale le ciminiere

giovedì 17 aprile 2008
ore 19.00 VERNICE CAF
Presenzia il Prof. Vittorio Sgarbi

venerdi 18 aprile 2008
apertura al pubblico ore 10.30
chiusura ore 21.30.

sabato 19 aprile 2008
apertura al pubblico ore 10.30

incontro dibattito ore 12:00
“arte-città: popolare il tessuto urbano con segnali artistici”
invitati: sindaci e assessori (turismo, cultura e lavori pubblici) del comune di catania e di tutti i comuni della provincia di catania.
chiusura ore 21.30.

domenica 20 aprile 2008
apertura al pubblico ore 10.30
chiusura Manifestazione ore 21.30 .

lunedì 21 aprile 2008
apertura al pubblico ore 10.30
chiusura Manifestazione ore 15.00.

Contatti
 
389 4380853
338 6135193
studioal@cataniaartefiera.com
catalogo@cataniaartefiera.com

c/da saliceto, 50
98063 gioiosa marea (me)
fax 0941 362196
www.cataniaartefiera.com

CANTI DI PIETRA

Martedì 1 Gennaio 2008

TEATRO LIBERO INCONTROAZIONE

stabile d’innovazione della Sicilia
dal 9 al 12 gennaio 2008 ore 21.15

CANTI DI PIETRA

thàlassa di suoni, di danza, parole, d’immagini.
con
  Enza Lauricella

“CANTI DI PIETRA” è un concerto di Enza Lauricella che interpreta canti della tradizione arcaica siciliana, rielaborati con sonorità aperte alle contaminazioni provenienti dai vari popoli del mediterraneo, originati da una cultura che nei secoli si è stratificata nell’isola e li ha sedimentati rendendoli unici.

Il canto popolare è sicuramente il “distillato” delle stratificazioni culturali di un popolo e si rivela nei secoli un grumo ( pietra ) di verità incontestabile.
Ed è attraverso i CANTI divenuti  PIETRA  che Enza Lauricella sembra volerci strappare il “ plasticume” che inesorabilmente ci avvolge e ci  azzoppa ad ogni bivio, ad ogni passo verso l’altro  e gli altri come entità sociale.
E‘ questo il tema dello spettacolo: l’impossibilità fisica – metafisica – sociale- storica che strema il cuore dell’uomo nell’andare verso l’altro uomo e la volontà antistorica di continuare ad esigere  questo “sogno”, unico traguardo estremo.

In “CANTI DI PIETRA” ribollono   frammenti di immagini legate all’origine dell’universo e dell’uomo, alle ragioni stesse del vivere, del morire e del rinascere, all’universalità del linguaggio musicale, come ponte fra le nazioni, come abbraccio fra i popoli, come viaggio per rivivere atmosfere e luoghi dimenticati.Ed  è straordinario come questo patrimonio dei “padri ” fatto di melodie e parole , possa aiutarci a piangere ed elaborare il lutto dei nostri morti ammazzati dalla categoria tempo o dal “cancro trinacrio” per riappropiarci della generosa, primitiva istintualità e naturalità umana che nessuna insensatezza, nemmeno la guerra, ha mai definitivamente cancellato.

 Note di regia
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il sole nella discarica di Momò Calascibetta 2005

Il video di Momò Calascibetta dal titolo "Il sole nella spazzatura"girato nella discarica di Bellolampo ( Palermo ), è la traccia scenografica su cui si incastrerà lo spettacolo "Canti di Pietra"di Enza Lauricella.Nel video sul tema dei “rifiuti come lato oscuro dell’abbondanza” Momò utilizza le immagini pittoriche dei suoi“ bambini sulle strade del mondo” che , avendo perduto il riferimento familiare come modello da imitare, riflettono senza mediazione le perversioni dell’attuale sistema della società moderna e il semplice, definitivo ed incosciente atto d’accusa contro  “l’homo economicus”, rivelatosi produttore di follia, esclusione, miseria, fame e ingiustizia.
Con la guerra in Irak Momò comincia a vedere bambini che fuggono dalle case, che cercano tra rifiuti del mondo, che vagano tra i vicoli delle città-metropoli pronti a qualsiasi espediente a qualsiasi avventura. Mentre prima i personaggi erano quelli delle stanze del potere,”le stanze dei bottoni”, adesso Calascibetta sembra volere affidare “questi bottoni” alle mani indurite e sapienti dei bambini. L’artista, per la prima volta, ferma la sua attenzione alle case dilaniate dalle bombe “intelligenti”, ai bambini assenti, sperduti e soli.
E’ così che nasce nel 2005  la nuova tematica “I bambini sulle strade del mondo”.
Tutto lo spettacolo è concepito come una partitura musicale dove canto,immagini, danza e parole trovano opportuno luogo ed espressione.
I testi letterari utilizzati sono di P.P.Pasolini e di Vincenzo Consolo, gli arrangiamenti musicali di Nino Agrusa.

L’interprete

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Wim Wenders ed Enza Lauricella- spazio Momò - alla Vucciria durante le riprese del film
“The Palermo shooting”
2007

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Enza Lauricella - Rosa Balistrieri - Ciccio Busacca

Enza Lauricella, magistrale interprete del più schietto respiro siciliano, fa parte con Rosa Balistrieri e Ciccio Busacca , del gruppo storico del canto popolare dell’ isola.
Aldilà della sua voce definita tragica e struggente e della qualità dei canti, è lei il vero personaggio che fa spettacolo nel senso più alto del termine, con il suo magnetismo, con la sua gestualità intensa e drammatica, con la sua voce che nel rompersi e ricomporsi riesce sempre a scorticare il cuore di chi ascolta fino a produrre anche nello spettatore più smaliziato un tipo di partecipazione viscerale. Enza Lauricella potrebbe indifferentemente essere una donna, anzi "fimmina"spagnola o greca o tunisina, o ancora come in effetti  è, di Canicattì.
La sua è una straordinaria figura di autentica figlia del Mediterraneo…….( Gigi Razete)
 

Nino Agrusa (chitarra, contrabbasso)
Salvatore Orlando (percussioni e tamorra),
Michele Piccione (percussione,ance e zampogna)
Michele Orlando (mandolino, organetto e flauto arabo)
Momò Calascibetta (video e immagini)
Enzo Caruso (danza e coreografia)
Clelia Cucco (voce recitante )
Lia Chiappara (costumi)
Fiorenza Dado (luci e suoni)
regia
Enza Lauricella

 

TEATRO LIBERO - PALERMO
Compagnia Enza Lauricella, Palermo

  Salita Partanna,4 (Piazza Marina) ● 90133 Palermo
Tel +39 091 617 4040 Fax +39 091 617 3712
comunicazione@teatroliberopalermo.it
www.teatroliberopalermo.it

Questo è il ballo del qua qua

Martedì 23 Ottobre 2007


Leonardo Sciascia nel suo formidabile "Il giorno della civetta" divide le persone in cinque categorie.
  E’ un pezzo celeberrimo, ma sempre gradevole da rileggere e meditare

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"Quaquaraqua" Cartella con incisioni di Momò Calascibetta a cura
dell’Associazione amici di Leonardo Sciascia
Testo Vincenzo Consolo-Presentazione Fondazione Mudima-
Stamperia Upiglio, Milano, 2004
L. Sciascia, amateur d’estampes, Catalologo Il Girasole edizioni, Milano, 2004
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"…l’umanità, e ci riempiamo la bocca a dire umanità, bella parola piena di vento, la divido in cinque categorie: gli uomini, i mezz’uomini, gli ominicchi, i (con rispetto parlando) pigliainculo e i quaquaraquà... Pochissimi gli uomini; i mezz’uomini pochi, ché mi contenterei l’umanità si fermasse ai mezz’uomini… E invece no, scende ancora più giù, agli ominicchi: che sono come i bambini che si credono grandi, scimmie che fanno le stesse mosse dei grandi… E ancora più in giù: i piglianculo, che vanno diventando un esercito… E infine i quaquaraquà: che dovrebbero vivere come le anatre nelle pozzanghere, ché la loro vita non ha più senso e più espressione di quella delle anatre… Lei, anche se mi inchioderà su queste carte come un Cristo, lei è un uomo… Anche lei, disse il capitano con una certa emozione."

 Questo era il colloquio fra il capo della mafia locale, don Mariano Arena e il capitano dei carabinieri, Bellodi, nativo di Parma, splendido ed incorrutibile investigatore. Sciascia descrive Bellodi come un ufficiale per il quale "l’autorità di cui era investito considerava come il chirurgo considera il bisturi: uno strumento da usare con precauzione, con precisione, con sicurezza."Non casualmente il grande giornalista Francesco Merlo paragonava Bellodi a Dalla Chiesa, del quale aveva il carisma, la volontà, la gentilezza ed anche a Falcone: "Sicuramente Bellodi è già Giovanni Falcone, sereno e lucido, energico e prudente, un uomo di curiosità universale che tuttavia sa capire don Mariano Arena, farsi uguale a lui, come i tirannicidi che a loro modo somigliano ai tiranni… E’ qui, per esempio, che il carabiniere esce dalle barzellette e diventa un eroe illuminista, un filosofo umanista capace persino di smascherare la mafia con un trucco di sapienza letteraria, il verbale di una falsa confessione, che è la grande idea sciasciana della letteratura come forma nobile del vivere obliquo, la cultura che occupa il terreno in cui si alimenta la mafia, ne prende il posto, la cultura e la ragione al posto della mafia che è anch’essa un vivere obliquo, ma torvo".

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Icone Pop

Mercoledì 26 Settembre 2007

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GUARDANDO OLTRE.
DAI SOLDATI DI TERRACOTTA ALLA BARBIE, I PUPAZZI DI PECHINO
di
 Philippe Daverio


Ordunque, la questione non è priva di complicate complicazioni. Da poco si sa che le bamboline Barbie fabbricate in Cina e dichiarate velenose a milioni di esemplari non sono tali per colpa dell’astuto fabbricante orientale, ma per via d’un criminale errore di progettazione americano. Il peccato è stato pubblicamente confessato dal vicepresidente della Mattel, la multinazionale del giocattolo. Che siano velenose anche le statuine di Mao e delle Guardie rosse, anch’esse prodotte a milioni di esemplari e esposte in questi giorni in una mostra collegata alla manifestazione «Mercante in Fiera» a Parma? La vernice di queste ultime è stata dichiarata innocua. L’ideologia no! «Mai dire Mao - Servire il Pop» ha generato attenzioni e

polemiche. Il presidente dei cinesi ha lasciato sul terreno con la sua trasformazione del Paese sessanta milioni di morti, quanto quelli che ha inesorabilmente mietuto la carestia del 1956. Ora i cinesi mangiano a crepapelle. La Cina nel 1949 come primo atto di espansione ha cancellato la teocrazia pacifica del Tibet e iniziato un percorso inarrestabile di distruzione dei più belli e commoventi monasteri di alta quota e del sistema ecologico perfetto che questi avevano preservato. Il Datai Lama è rifugiato all’estero da più di mezzo secolo. Auguriamogli la sorte del papato di Avignone e quindi il ritorno. La Cina ha in comune con gli Usa la passione non solo per la Barbie ma pure per l’annullamento della regola che fu data a Mosè sul Sinai
(«Non uccidere») e tutti e due gli Stati continuano a praticare la pena di morte, in Cina con numeri ben maggiori - ma si sa che i cinesi sono più numerosi.

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uno dei sei "personaggi in cerca di Mao" di Momò Calascibetta
Andy Warhol, che è l’artista sicuramente più creativo della stagione Pop americana, ha lasciato una serie di icone che testimonieranno nei secoli la cultura statunitense, e cioè le scatolette di brodo della Campbell, il ritratto di Marylin Monroe, il car crash (l’incidente automobilistico), la-sedia elettrica e - ovviamente - Mao Tse Tung.


La mostra di Parma mescola Pop e Mao secondo l’assunto della commedia antica: castigat rìdendo mores. Pone un obbligo di riflessione leggera che è tutt’altro che goliardica e, oggi che tutto sembra privo di valore poiché tutto appare equivalente, questo piccolo contributo di coscienza non è privo di senso.


Mille immagini dall’aspetto bonario che rivelano più che nasconderlo un dramma effettivo. E permettono di capire un po’ di più il gigante economico che si affaccia sullo scenario del globo. La Cina è faraonica da sempre, non ha mai dato, se non nella raffinata filosofia confuciana, peso all’individuo. È la specie che avanza, come le statuine esposte. È la specie che si identifica nel suo destino, sicché il comportamento di mezzo secolo fa ricalca quello di 22 secoli or sono, quando il primo imperatore della terra di mezzo fece bruciare i libri, confiscò le terre, rese obbligatoli i suoi scritti e si fece seppellire con le sue statuone, quelle che riproducevano i suoi soldati d’allora.

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Le statuine di Mao sono la combinazione fra l’esercito di terracotta e le statuette più gentili che nel XVIII secolo raffiguravano in porcellana i mandarini e i ragazzi sorridenti. Ciò che si vede è un cocktail fra imperatore, faraone, mandarini e sorrisi. Tutto in rosso, che non si sa se sia sangue o lacca. E gli artisti di oggi come i "sei personaggi in cerca di Mao" di Momò Calascibetta, ci hanno ricamato sopra, con ironia ma non con spensieratezza. Intanto se ne parla. È già bene così e l’indicazione del bar spiega molto: «La cuCina è vicina».



MAI DIRE MAO

Martedì 21 Agosto 2007
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Servire il Pop

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Una mostra a cura di Gherardo Frassa che inaugurerà a Parma il 22 settembre 2007, il giorno dell’ apertura de Il mercante in fiera l’ importante fiera antiquaria che vede ogni anno sfilare migliaia di espositori, e di visitatori, da tutta l’ Europa.

Il progetto di allestimento di Dario Cavaletti con Annaluce Canali; il coordinamento editoriale di Giancarlo Ascari e la grafica di Edoardo Perri. L’organizzazione generale di Roberta Gaito.


Mai dire Mao - Servire il Pop è una mostra su una grande icona del XX secolo.

Il presidente Mao Tze Tung è il padre della patria della Cina attuale, una figura storica e politica molto controversa.

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Momò Calascibetta - Sei personaggi in cerca di Mao - modulo cm.13×17 - acrilico  2007

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Cristina Alaimo-Servire il pop per far felice il Mao-modulo cm.13×17- 2007

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Retablo di Mao - Cristina Alaimo 2007

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Alla mostra non interessa però un giudizio storico-politico su Mao ma solo la sua natura di icona universale di una cultura popolare che a partire dagli anni Sessanta del secolo scorso diventò cultura pop.

"Servire il Pop" gioca con la famosa parola d’ordine maoista "Servire il popolo" ma, come tutte le prese in giro, é seria: I bianchi e neri dell’ ideologia, i rossi delle bandiere e dei libretti, i gialli di stelle e falci & martello, i blu e i verdi delle uniformi rivoluzionarie erano colori forti, semplici, ottimisti, infantili, entusiasti, pre-postmoderni-in una parola: pop-che non meritano di essere dimenticati.

Senza facili liquidazioni e senza facili assoluzioni.
Perchè il Pop è di tutti, il Pop è del popolo.


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Una sezione della mostra sarà dedicata a
Quelli del 13×17.
il gruppo fondato nel 2005 da Momò Calascibetta, Cristina Alaimo ed Elena Agudio,  quando alla Biennale di Venezia fu soppresso il Padiglione Italia.
L’ icona di Mao, figura politica di indiscutibile importanza per la cultura cinese e icona per una generazione di studenti occidentali degli anni ‘60/’70, e i simboli ad essa connessi ( bandiera rossa, bandiera cinese, stella rossa il sole del mattino, il girasole, il libretto rosso, la giacca di Mao, la porta di Piazza Tien An Men ) liberamente interpretati e ridotti in formato 13×17 cm. o in più moduli da 13×17.

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Che cosa ci fa Chiambretti ritratto accanto al padre della patria cinese, Mao? E’ la locandina della mostra “!Mai dire Mao!“, visibile dal 22 settembre a Parma.

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 "Mai dire Mao! servire il Pop".
Gherardo Frassa cura l’evento e ci saranno più sezioni da Officina Pop a La casa del Pop e per terminare China Pop. Una fiera dell’arte, dove L’ospite sarà proprio Mao, rivisitato in chiave moderna
dal 22 settembre a Parma, via Fortunato Rizzo, Fiera di Parma.

Catalogo edito da Nuages, Milano – stampato da Intese Grafiche, Brescia
introduzione di Gherardo Frassa
testi di Giancarlo Ascari, Philippe Daverio, Renata Pisu, Laura Trombetta e Alessandro Guerriero
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 Lo slogan della mostra  riprende, sdrammatizzandole, le parole d’ordine della rivoluzione maoista, quel ’servire il popolo’, che ora diventa ‘Servire il Pop’.

 
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Le tre sezioni di MAI DIRE MAO

1) OFFICINA POP
Circa 170 artisti, italiani e stranieri, per un totale di oltre 250 opere esposte. E’ la sezione dedicata agli artisti che ieri e oggi hanno lavorato sulla figura di Mao e sui simboli a lui connessi: la bandiera, la stella e il libretto rosso, la Porta della Pace Celeste, le uniformi rivoluzionarie e molti altri.
Officina Pop comprende:
Spazio curato da Claudia Gianferrari
Opere degli anni 70 e 80: un Mao di Andy Warhol, alcune tavole di Errò, un’opera di Gilberto Zorio, un olio e una serigrafia di Emilio Isgrò e un ritratto di Mao di Yasumasa Morimura.
Ospiti della Galleria Gianferrari, oltre ad una scultura di Franco Pardi, una serie di 14 opere serigrafate presentate da Lelio Basso in un ’Omaggio a Mao’ nel 1976, anno della morte del leader cinese. Tra queste, opere di: Remo Brindisi, Giacomo Manzù, Gabriele Mucchi, Giò Pomodoro e Giangiacomo Spadari.
Artisti cinesi contemporanei
Presenti opere di artisti cinesi contemporanei provenienti da collezioni private italiane (Tai Taiquan, Jianyi Geng, Sui Jianguo, Bo Xiao, Peili Zhang) e una Miss Mao dei Gao Brothers, prestito della Galleria Vallois di Parigi.
Spazio curato da Jean Blanchaert
32 artisti invitati da Jean Blanchaert che è anche autore di alcune tavole calligrafate e di un busto di Mao in vetro realizzato a Murano da Silvano Signoretto. La calligrafia sulla nuca recita ‘Not made in China’.
Mai Mao
Per la prima volta in Italia, ‘Mai Mao’, una mostra inaugurata a Parigi nel 2005 in cui 20 artisti cinesi furono invitati a lavorare su una stessa statuina bianca di ceramica raffigurante Mao, curata da Lina Lopez e Giacomo Rambaldi per Fattorie Celle, Collezione Gori.
Wake up Shangai
29 fotografie tratte dal catalogo ‘Wake up Shangai’, un reportage che testimonia la curiosa abitudine del popolo cinese di sfoggiare colorati pigiami in pieno giorno durante ogni attività.
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Quelli del 13X17’
11 artisti provenienti dall’operazione ideata nel 2005 da Momò Calascibetta, Cristina Alaimo, Elena Agudio e fortemente sostenuta da Philippe Daverio quando alla Biennale di Venezia fu soppresso il Padiglione Italia. Mostra itinerante che conta oltre 1600 partecipanti, attualmente esposta a Murano. Il formato delle loro opere è naturalmente 13×17 centimetri o un multiplo dello stesso; saranno allestite, come nell’operazione originale, mediante calamite applicate su lastre di ferro.

…i sei MAO di MOMO ‘…
Mao moda e design
Tra le opere che reinterpretano l’abbigliamento della Rivoluzione Culturale: l’inedita collezione di Monica Bolzoni per Bianca e Blu che rivisita le divise e gli accessori delle ballerine del distaccamento rosso femminile, impreziosendole con l’argento e la vernice rossa.
Alessandro Guerriero, presidente del NABA, Nuova Accademia Belle Arti, ha invitato i suoi allievi, sotto la direzione di Clara Rota a reinterpretare la celebre giacca di Mao. I ragazzi hanno lavorato su giacche originali grigie e nere dell’epoca.
Marisa Camilla ha realizzato una gonna in pvc trasparente decorata con immagini di Mao e ideogrammi cinesi, di Barbara Trebitch è la giacca di Mao in versione double-face.
Tra gli oggetti di design: un mobile di Alberto Biagetti, un set da tavola di Mark Anderson, una stella rossa-portacactus di Aldo Cibic, una scacchiera di Edoardo Perri e una lampada di Annaluce Canali.
Volto e sagoma di Mao
Gli artisti si sono focalizzati soprattutto sulla figura di Mao. Il suo volto – a volte anche solo la sua inconfondibile sagoma – è interpretato in decine di modi diversi e diventa: disegno, fumetto, dipinto a olio, scultura, fotografia, collage, video e installazione.
Concetti Rossi
Altri hanno lavorato invece sui Concetti Rossi in generale, ad esempio Sergio Calatroni che ha  realizzato due manifesti con due Haiku, Mao Miao Mio Dio e Gingle Mao e Patrizia Tigossi con una composizione di caratteri tipografici antichi ‘Servire il Pop’.
Sculture
La ballerina luminosa di Marco Lodola; la scultura filomaoista di Claudia Gramegna; la Napoletana di Mao di Riccardo Dalisi, le sculture in ferro di Fabius Tita e di Brunivo Buttarelli, Patti Nicoli, Mimmo Longobardi, Francesca Grazzini, Alessandro Baroni.
Opere di carta
L’abito in carta di riso di Caterina Crepax e le opere di Clara Rota: una giacca fatta con minuti ritagli di giornali cinesi distribuiti a Milano e un fiore di carta intitolato (L’)Oblio in cui Mao appare ‘ubriaco’ di comunismo.
Illustrazione e grafica
Presenti gli illustratori: Giancarlo Ascari con Mao Give Me Five, Franco Matticchio con Retro Mao, Mao Gio Cond e Il fantasma dell’opera di Pechino e  gli artisti che hanno lavorato nella sfera della grafica: Marie B. Cross, Cesare Rota Nodari, Ugo Rota, Margherita Palli, Sergio Pappalettera.
Installazioni
‘Che 100 fiori sboccino, che 100 scuole gareggino’ dei Cognati Commercianti che schierano cento giacche delle Guardie Rosse in miniatura. Lorenzo Petrantoni presenta un’installazione composta da migliaia di foglietti di carta con rielaborazioni grafiche della propaganda originale della Rivoluzione Culturale. Due le video-installazioni di Francesco Locatelli e di Barbara Corti e Maurizio Chesneau.
Humor Rosso
Pezzi spiritosi che giocano con il tema della mostra e con il nome di Mao: Maori, Maonese, Maorlboro, Maondala . In questa sezione sono presenti anche due gag di Piero Chiambretti, Mao a pezzi e un lavoro che ironizza sullo scandalo di vallettopoli. DAVERIO?!?
Anche il manifesto della mostra è un’opera d’arte: dipinto ad olio su tela da Franca Silva.
Elenco degli artisti Officina Pop
Galleria Blanchaert
Jean Blanchaert, Claus Bonomo, Bruno Bordoli, Dario Brevi, Giovanni Cerri, Cognati Commercianti, Emanuele Convento, Andrea Costa, Mario De Leo, Gabriele Destefano, Angela e Giovanna Grimoldi, Desideria Guicciardini, Emanuela Ligabue, Nicola Magrin, Antonio Marinoni, Max Marra, Livio Marzot, Veronica Menghi, Ettore Moschetti, Patty Matilde Nicoli, Gaetano Orazio, Ines Paderni Zerbone, Porenzo Petrantoni, Luisa Pigni, Sax, Angelo Sblendore, Silvano Signoretto, Vincenzo Sorrentino, Fabius Tita, Gabriella Tonzar, Marie-Laure Van Hissenhoven
Galleria Gianferrari
Errò, Emilio Isgrò, Yasumasa Morimura, Franco Pardi, Andy Warhol, Gilberto Zorio.
Omaggio a Mao
Rafael Alberti, Remo Bianco, Remo Brindisi, Pasquale D’Orlando, Agenore Fabbri, Chin Hsiao, Giacomo Manzù, Giuseppe Motti, Gabriele Mucchi, Karl Plattner, Giò Pomodoro, Giangiacomo Spadari, Ernesto Treccani, Ricarda Vivarelli.
Artisti Cinesi
Gao Brothers, Jianyi Geng, Sui Jianguo, Tai Taiquan, Bo Xiao, Peili Zhang.
Quelli di Gherardo Frassa
Mark Anderson, Aris, Giancarlo Ascari, Carlo Baroni, Franco Betteghella, Elizabeth Ruchti, Alberto Biagetti, Monica Bolzoni Bianca e Blu, Mattia Bosco, Brunivo Buttarelli, Sergio Calatroni, Marisa Camillo, Enrico Camontelli, Franco Campigotto, Annaluce Canali, Maurizio Chesneau, Piero Chiambretti, Aldo Cibic, Barbara Corti, Caterina Crepax, Marie B. Cross, Riccardo Dalisi, Manolo Degiorgi, Umberto Fenocchio, Ferroitalia, Cesare Fullone, Cristina Gozzini, Claudia Gramegna, Francesca Grazzini, Alessandro Guerriero, Raffaele Iannone, Giuseppe Antonello Leone, Francesco Locatelli, Marco Lodola, Mimmo Longobardi, Anna Rita Machiavelli, Albino A. Marcolli, Arnaldo Milanese, Gioacchino Marino, Franco Matticchio, Massimo Morozzi, Aghim Muka, Carlo Orsi, Margherita Palli, Sergio Pappalettera, Edoardo Perri, Andrea Petrone, Ario Pizzarelli, Giacomo Rambaldi, Clara Rota, Ugo Rota, Cesare Rota Nodari, Angela Rui, Davide Servadio, Franca Silva, Patrizia Tigossi, Attilio Tono, Barbara Trebitch, Angelo Vadalà.
Mai Mao
Wu Chang, Neng, Gu Cheng, Pan Du, Ye Fu, Gao Brothers, Chen Guang, Yu Jidong, Pu Jie, Chen Jinhu, Jin Juan, Zhang Qikai, Chen Liang Quing, Xiao Peng, Li Sa, Yang Shen, Lu Xiao, Li Yan, Cao Yang, Luo Yong Jin, Gao Zeng Li.
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Quelli del 13×17
Cristina Alaimo, Gianpaolo Atzeni, Guido Averna, Momò Calascibetta, Leandro di Prinzio, Fabrizio Dusi, Claudia Gramegna, Francesco Liggieri, Calogero Marrali, Salvatore Melillo, Vera Lux.
Naba
Clara Rota, Matteo e Marta Cabassi, Anna Canavesi, Francesca Carretta, Tommaso Comolli, Alice Mortaro, Cecilia Dosi, Paolo Lutri, Moreno Ferrari, Marco Galati, Ermanno Galoppi, Andrea Goj, Bruna Garabelli, Sania Lasic, Pasquale Macciocca, Sara Miegge, Alessandro Mori, Eli Peduzzi, Sara Saini, Chiara Santagata, Frenk Valtorta, Carlo Tartaglia, Davide Magni, Martino Cabassi, Gabriella Tontini, Stefania Vaccari.



 

2) CHINA POP

Chiana Pop è dedicata alle memorabilia originali provenienti dalla Cina.
Statue di Mao di ogni dimensione e tecnica, gruppi ceramici che raffigurano momenti chiave della Rivoluzione Culturale attraverso i suoi protagonisti: le guardie rosse, i contadini, gli operai, gli studenti, i medici scalzi, le ballerine del distaccamento rosso femminile etcetera, oltre a scene di processi ed esecuzioni  agli intellettuali, ai proprietari terrieri e a tutti coloro che non erano allineati ai dettami del regime. Centinaia di versioni (in diversi formati e lingue) del celebre libretto rosso che fu stampato in Cina in 740 milioni di copie; libretti di grafica contenenti dettagliate istruzioni su ogni attività della società cinese: dall’impaginazione dei giornali alla realizzazione di un da zi bao, dai ricami per le bandiere all’allestimento di un palco ufficiale. E ancora libretti di appunti, libretti d’arte, manifesti, schede illustrate della vita di Mao, giacche, pantaloni, cappelli, fascette delle divise delle guardie rosse, borse, bandiere, badge, fiori di carta, manifesti, poster e molti altri oggetti (fermacarte, specchi, ricami, orologi, tazze da tè, teiere, servizi di piatti, sveglie) strumenti fondamentali della propaganda maoista.
Questo materiale, inedito in Italia, viene per la prima volta presentato al pubblico e storicizzato in un catalogo proprio in occasione di Mai dire Mao e venduto nel ‘Mao for sale’, lo spazio appositamente allestito all’interno del percorso espositivo. Il personale addetto alla vendita, così come le hostess in mostra, veste rigorosamente abiti d’epoca originali.
In Cina dal 1993, anno del centenario della nascita di Mao Zedong, ha preso il via una corsa all’accaparramento dei pezzi originali della Rivoluzione Culturale da parte dei collezionisti con il conseguente lievitare del loro valore sul mercato. Inoltre il ritrovato interesse per gli oggetti della propaganda ha generato una rinascita della produzione. I vecchi artigiani hanno riaperto le botteghe e oggi si arricchiscono realizzando ogni sorta di gadget.
In mostra sono esposti alcuni scatti inediti di Carlo Orsi che immortalano in un bianco e nero poetico molti di questi oggetti.






3) LA CASA DEL POP

La Casa del Pop comprende il Mao Bar, il self service La CuCina è vicina e la sala cinematografica in cui sarà proiettato il film Rosso Rosso. Al Mao Bar verranno serviti piadine e aperitivi rivoluzionari mentre nel self service si potranno gustare piatti dalla via Emilia all’Est, dove i sapori dell’oriente si mescolano a quelli della tradizione parmense in ricette ideate da Nella Zanotti e realizzate dallo chef emiliano Zalaffi dai nomi curiosi come: ‘Lotta progressista del raviolo’ dove il classico raviolo di carne incontra cavolo cinese e salsa di soia oppure ‘Fervore di lotta per la bomba al ragù’ e ‘Gnocco fritto per un movimento di massa’.
L’arredamento è ispirato a quello di una mensa cinese. Nessun dettaglio è lasciato al caso, comprese le tovagliette di carta e i menù decorati con elementi della grafica maoista.
Film rosso: all musical, all propaganda, è un montaggio di film a cura di Romano Frassa e Andrea Quartarone, che compone un ritratto epico e ironico della Cina di Mao e della Rivoluzione Culturale, perché servire il popolo significa anche intrattenerlo. C’è la Repubblica Popolare che rappresenta se stessa con i musical dell’Opera di Pechino – da Il distaccamento femminile rosso a L’oriente è rosso – che nulla hanno da invidiare alle grandi produzioni di Hollywood; e l’occidente che guarda a est con le invenzioni di Godard, l’ironia di Bellocchio e il cinismo yankee di John Wayne. “Sono i musi gialli, bellezza”.Un capitolo del montaggio è dedicato alle straordinarie coreografie aeree dei combattimenti fra le Guardie Rosse e le “tigri di carta” giapponesi: trent’anni prima de “La tigre e il dragone”, e senza effetti speciali. I film che compongono il montaggio, molti dei quali inediti al pubblico occidentale o creduti perduti, sono forniti da importanti archivi, come quello del Far East Festival di Udine e quello personale dello storico del cinema Tatti Sanguineti, o sono il frutto di ampie e approfondite ricerche effettuate fra l’America, la Cina e Hong Kong.
Morning Sun è un documentario di Carma Hinton, Geremie R. Barmé e Richard Gordon, il cui racconto comincia con una sequenza de "L’oriente è rosso", il grande spettacolo musicale del 1964 voluto da Mao per festeggiare i 15 anni della Repubblica Popolare Cinese. Il film non intende raccontare tuttavia la cronistoria della Rivoluzione Culturale ma - come in una sorta di indagine psicologica - traccia il profilo di quella generazione nata sul finire degli anni ‘40 e che, più delle altre, ha vissuto da vicino la Rivoluzione. Prodotto in collaborazione con la BBC e ARTE, e vincitore di numerosi premi cinematografici e accademici internazionali, alterna interviste recenti a spezzoni di film e opere teatrali di repertorio, delineando un quadro vivace - ma preciso e critico - di quegli anni. E’ un film sulle convinzioni, le idelogie e gli ardori di una cultura che ha tentato di ricostruire se stessa, raccontata dalle vive parole di chi vi ha creduto davvero.

DE RISUS NATURA

Domenica 29 Luglio 2007
Assonanze e distanze intorno al tema il "sorriso e l’ironia" di Momò Calascibetta.
Ritratto d'ignoto di Antonello da Messina

La Fondazione Culturale Mandralisca di Cefalù propone ai suoi frequentatori un percorso artistico e culturale da vivere insieme. Quest’anno, per i suoi contenuti e le sue evocazioni, il percorso ha per titolo: “Il sorriso e l’ironia”.
E’ proprio all’interno di questo contesto, così saldamente legato al sorriso del “Ritratto d’uomo” di Antonello da Messina, e all’ ironia con cui esso accoglie chi varca la soglia del Palazzo Mandralisca, che viene a inserirsi, con assonanze e distanze, la mostra “De risus natura”, dell’artista Momò Calascibetta.
In quello stesso spazio fisico che accoglie antiche collezioni e ritratti d’antenati che ci osservano dall’alto, privi di sorrisi.

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Jolly, ritratto ben noto all’autore-cm.40×30-acrilico 2006

DE RISUS NATURA
TRENT’ANNI DI DOLCI SORRISI, SOSTANDO NELLA LUCE ACCECANTE.
..

“Il Mandralisca non è il MoMA di New York” così  esordisce Momò Calascibetta parlando di se stesso e della  mostra, ma è proprio da questa piccola ma importante realtà museale e dal Ritratto d’uomo di Antonello che parte la sua esperienza e la sua formazione visiva e culturale che lo ha portato dal 1975 ad oggi a cambiare spesso pelle e anche punti di vista ma mai l’identità e l’uso, nella sua affermazione e nella sua negazione, del sorriso e dell’ironia. La modernità e l’universalità dell’arte di Antonello da qualsiasi luogo si irradi, se periferia o centro del mondo, mantiene intatto il potere espressivo ed estraniante delle figure ritratte nei limiti della loro uma-
nità , indagate e spesso derise in questo affascinante e universale gioco psicologico tra il ritratto e colui che lo ritrae.  L’opera dell’artista satirico e grottesco Momò  con il suo approccio alla realtà attraverso lo sguardo impietoso dell’ironia, strumento di denuncia sociale ma nello stesso tempo distacco e potenzialità estrema di lettura e giudizio dei limiti dell’uomo,  è prova  del perpetuarsi e del rinnovarsi del messaggio di Antonello da Messina  nell’espressione artistica contemporanea.
I toni satirici sottolineati da colori  in contrasto, vivaci e  carichi di vita, dalle figure studiate e definite da miriadi di segni, stordiscono e stupiscono  suggerendo diversi piani di lettura, aprendo a particolari infiniti. Ogni opera  crea un mondo parallelo in cui la figura umana è rappresentata sempre con i toni satirici dell’eccesso espressi dalla mole delle figure, dalla caratterizzazione dei volti e  dagli sfondi delineati  da un volutamente eccessivo virtuosismo del segno.
L’evento espositivo, comprendente ventisei opere pittoriche  e due sculture realizzate dal 1975 al 2007, allestito nella sala mostre all’interno del percorso museale permanente della Fondazione Mandralisca, affronta il tema del sorriso nei suoi molteplici aspetti: il sorriso dei potenti, dei carnefici, dei gaudenti, della gioia ma anche il sorriso negato dei bambini indifesi nei disastri della guerra e nelle discariche del mondo "raccontato dalle fogne fino al cielo stellato” creando un dialogo ideale e reale con il capolavoro Antonelliano

 Stefania Randazzo

..." l’enigma di quel sorriso mi condusse, durante il mio percorso creativo, in un labirinto di sorrisi: erano i sorrisi sadici dei carnefici, dei lussuriosi e degli ingordi, i sorrisi dei gaudenti e degli infidi,i sorrisi dell’amarezza e della gioia, che si incarnavano nella folla dei miei personaggi e venivano a popolare la mia opera"…
… "Qui, nell’isola mia, in Sicilia, il sorriso dell’ignoto di oggi si scompone e diviene “annacamento”, ignavia, limbo, capriccio, ferocia, grasso untuoso che veicola liquami. Allora, se il sole dell’isola nei secoli si è fatto ancora più forte, producendo ombre assassine, resta, ai forti marinai, sostare nella luce accecante e attendere vigili".

Momò Calascibetta

TRENT’ANNI DI DOLCI SORRISI, SOSTANDO NELLA LUCE ACCECANTE…

La Sicilia è sempre quella di Antonello da Messina.
Il Museo della Fondazione Mandralisca di Cefalù non è certo il MoMA di New York e gli artisti, come allora, sono marinai erranti da un porto all’altro. Sono come uccelli migratori, e insieme alle loro opere si perdono e si ritrovano durante il viaggioche dura tutta la vita.
Dopo la morte, il motu continua. Le opere, diventano simulacri, si aggirano, ricompaiono poi all’improvviso sui bancali dei negozi, delle botteghe, delle spezierie, finché un giorno qualcuno non le riconosce, le chiama per nomee le prende con sé. Per un momento la stasi è salutare e l’opera così è finalmente protetta.
Ladro, di notte, rubavo nelle tasche dei pantaloni di mio padre, i soldi per comprare i colori e i fascicoli di storia dell’arte che allora uscivano in edicola settimanalmente.
Di giorno, munito di biglietto ferroviario, raggiungevo i luoghi per me possibili, dove le opere erano esposte. "L’ignoto marinaio" di Antonello mi attirava irresistibilmente, almeno due volte al mese; i miei amici credevano che a Cefalù andassi a trovare una ragazza francese che mi dava tormento. Si trattava invece di un uomo chiuso in una stanza, che mi sorrideva volendosene restare a me ignoto. L’enigma di quel sorriso mi condusse, durante il mio percorso creativo, in un labirinto di sorrisi: erano i sorrisi sadici dei carnefici, dei lussuriosi e degli ingordi, i sorrisi dei gaudenti e degli infidi.
I sorrisi dell’amarezza e della gioia, che si incarnavano nella folla dei miei personaggi e venivano a popolare la mia opera. Una di queste "Piazza della Vergogna a Palermo" fu esposta nel 1989, nella galleria Philippe Daverio a Milano. E’ lì che Vincenzo Consolo arriva ed e lì che per la prima volta lo incontro. "Nulla è sciolto da cause o legami " come egli stesso dice!
Il Museo Mandralisca mi propone oggi di realizzare una mostra, accanto al "ritratto dell’Ignoto marinaio". L’invito mette insieme i miei ricordi e il moto tumultuoso dell’anima dell’antico ragazzo, mi fa tornare indietro nella mia memoria ed accogliere la richiesta senza esitare: De risus natura è il titolo scelto e condiviso.
In questi trent’anni anni di attività ho attraversato l’Italia partendo dalla Sicilia e in De risus natura ho raccolto ventotto opere che sono una sintesi del lavoro svolto tra Palermo e Milano, dove il sorriso nelle sue infinite variazioni conduce, come il filo di Arianna, a tutte le opere in mostra. In questi ultimi anni i miei sorrisi sono diventati molto amari perché appartengono ai bambini indifesi nei disastri delle guerre, nelle discariche delle metropoli, nei vicoli della Vucciria a Palermo e non opero censura al sorriso negato delle madri bambine frutto delle violenze del mondo. De risus natura è la necessità di raccontare il dramma di questo momento che tutti stiamo vivendo impotenti di fronte alla sterilità di un mondo, governato da squali che distruggono, violentano, sfruttano e ci costringono a vivere "dalle fogne sino al cielo stellato".
Il Museo Mandralisca non è il MoMAè: (…)"quel ritratto d’uomo, il suo sorriso ironico, pungente e nello stesso tempo amaro, di uno che molto sa e molto ha visto, sa del presente e intuisce del futuro, di uno che si difende dal dolore della conoscenza. Quest’uomo a mezzo busto dipinto su un portello di uno stipo, in quella giusta età in cui la ragione, uscita salva dal naufragio della giovinezza si è fatta lama d’acciai, che diverrà sempre più lucida e tagliente nell’uso.(…)Tutta l’espressione di quel volto è di ragione e d’ironia: equilibrio difficile e precario. Anelito e chimera in quell’isola mia, in Sicilia dov’è stata da sempre una caduta dopo l’altra, dove il sorriso dell’Ignoto si scompone
e diviene sarcasmo, pianto, urlo"… (Vincenzo Consolo, Il sorriso dell’ignoto marinaio.)

Qui, nell’isola mia, in Sicilia, il sorriso dell’ignoto di oggi si scompone e diviene “annacamento”, ignavia, limbo, capriccio, ferocia, grasso untuoso che veicola liquami. Allora, se il sole dell’isola nei secoli si è fatto ancora più forte, producendo ombre assassine, resta, ai forti marinai, sostare nella luce accecante e attendere vigili.

Momò Calascibetta

Il sorriso e l’ironia
DE RISUS NATURA

Momò Calascibetta
Opere 1975 - 2007

 
Dal 11 agosto al 30 settembre 2007
Palazzo Mandralisca, Cefalù

a cura di
Stefania Randazzo

Testi di
Nuccia Cesare
Momò Calascibetta
Stefania Randazzo

Fotografie
Tommaso Pellegrini

Video

Tommaso Lusena de Sarmiento

Progetto Grafico
Santo Eduardo Di Miceli

Stampa Tipografica e digitale
Officine tipografiche Aiello e Provenzano Fotograf

Catalogo
Fondazione Museo Mandralisca

Messi a nudo

Martedì 3 Luglio 2007
La Galleria La Piana Arte Contemporanea (via La Lumia 79, Palermo) propone, dal 4 al 28 Luglio (10.30-13.00/16.30-20.00 - chiusura mercoledì mattina - ingresso libero) una mostra unica nel suo genere: “Messi a Nudo”.
La mostra riunisce sotto il comune denominatore tematico del nudo opere di maestri del 900 e di alcuni dei più significativi artisti contemporanei del panorama creativo siciliano, artisti che hanno reso possibile la continuità della tradizione figurativa Italiana dal dopoguerra ad oggi, attraverso l’unicità del loro segno e il coraggio delle loro idee.

Nudo… inesauribile fonte di ispirazione dell’uomo, del poeta, del pittore, dello scultore; fulcro della dicotomia tra il bene e il male, innocenza e  malizia, tabù e desiderio; capace di suscitare sublimi sentimenti o inenarrabili passioni, simbolo di purezza o strumento di corruzione.

In esposizione opere uniche e grafiche di:

Ugo Attardi, Franco Angeli, Hans Bellmer, Totò Bonanno, Enrico Baj, Bruno Caruso, Momò Calascibetta, Gai Candido, Niccolò D’Alessandro,  Franco Gentilini,  Piero Guccione,  Renato Guttuso, Laura Giometti, Emilio Greco, Mino Maccari, Giacomo Manzù, Giuseppe Migneco, Ennio Morlotti, Gabriele Mucchi, Vincenzo Nucci, Aldo Pecoraino, Mimmo Rotella, Tino Signorini,  Gregorio Sciltian,   MarioTozzi,   Renzo Vespignani,   Tono Zancanaro.

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Momò Calascibetta-Haremomò-cm.50×100 disegno-2005

13×17 padiglioneitalia a Murano

Venerdì 1 Giugno 2007

 

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PROGETTO PER LA BIENNALE 2007

13 x 17 www.padiglioneitalia nacque due anni fa come reazione della presenza italiana nella Biennale.Fu inizialmente un gesto situazionista inventato da Elena Agudio,Cristina Alaimo e Momò Calascibetta che chiamava al risveglio le coscienze creative con la richiesta di presentare un ex voto scaramantico di 13 x17cm.


Le 800 prime opere raccolte,  furono esposte il 9 giugno 2005 nella Chiesetta di San Gallo. Successivamente, con l’organizzazione di Roberta Gaito, si aggiunsero vari volontari pronti a curare la Biennale malata, altri artisti, altre proposte espositive. Il coordinamento "politico" è stato sempre di Philippe Daverio.
A due anni di distanza, in una situazione che si è ulteriormente esasperata rispetto a quella precedente, 13 x 17 www padiglioneitalia torna nella laguna il 9 giugno2007, a Murano.
Nel frattempo hanno aderitooltre 1500 artisti, e Rizzoli sta preparando il catalogo del migliaio tra di loro che ha acconsentito alla pubblicazione.

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Presentazione del progetto biennale 2005-2007
13 x 17 www.padiglioneitalia


Una mostra itinerante che raccoglie oltre 1500 opere d’arte di dimensioni 13×17cm a tema e tecnica liberi. Un’operazione nata nel giugno 2005 e sostenuta da Philippe Daverio.
La mostra presenta uno spaccato delle arti in Italia e ne dimostra la loro vitalità: pittura, disegno, fotografia, collage, vetro, ceramica, terracotta, design.

Alcune opere sono state realizzate da artisti di spicco del panorama artistico nazionale e internazionale come Sandro Chia, Gilberto Zorio, Luca Caccioni, Pirro Cunimberti, Oliviero Toscani, Alessandro Mendini, Michele De Lucchi, Massimo Vignelli, Ettore sottsass, Cesare Berlingeri, Giosetta Fioroni, Jannis Kounellis, Momò Calascibetta, Laura Panno,  Clemen Parrocchetti, Marinellia Pirelli, Lisa Ponti, Betty Bee, Giuliano Mauri, Pino Spagnulo, Luigi Serafini, Nanda Vigo, Franco B, Marcello Jori, Concetto Pozzati. A questi si affiancano artisti meno noti al grande pubblico, ma sicuramente interessanti.

La mostra è il risultato del progetto che ha portato alla realizzazione di un padiglione italiano esterno durante la Biennale di Venezia 2005. In quell’occasione tutti gli artisti attivi sul territorio nazionale erano stati invitati con un appello lanciato in rete a essere presenti, nella Chiesetta di San Gallo, con un lavoro il cui unico vincolo era la misura di 13×17 cm: una sorta di “ex voto” concepito come reazione all’assenza di artisti italiani nel Padiglione Italia, a un sistema che non dimostrava rispetto per la produzione artistica nazionale.
La risposta è stata immediata e corale: nel corso di un mese sono state raccolte 800 opere. Con la convinzione che l’eco di quel momento non si dovesse fermare, il “Progetto Esserci-Padiglione Italia” è stato ribattezzato “13×17” e trasformato in una mostra itinerante per raccogliere sul territorio nazionale e internazionale nuove testimonianze, tali da costituire una sorta di istantanea dell’arte italiana del 2005. Da un evento entusiastico e corale oggi “13×17” si configura come una vera e propria indagine sullo stato dell’arte in Italia.

Alfa Romeo in laguna, sponsor della Mostra “13 X 17 www.padiglioneitalia”
«In concomitanza dell’edizione 2007 della Biennale di Venezia, Alfa Romeo Automobiles rinnova il suo impegno a favore delle iniziative appartenenti al mondo dell’arte e della creatività attraverso la sponsorizzazione ufficiale della mostra “13×17 www.padiglioneitalia”, voluta e curata dal noto critico d’arte, giornalista e conduttore televisivo Philippe Daverio. L’innovativa esposizione, concepita ed ideata a partire dal giugno 2005 allo scopo di fornire uno spaccato delle Arti in Italia e della loro vitalità, raccoglierà circa 1500 opere d’arte di dimensioni 13×17 a tema e tecnica liberi. Il progetto, definito dallo stesso Daverio: “un segno visibile della forza e della creatività dell’Arte Contemporanea in Italia”, si associa perfettamente al desiderio di fornire il giusto sostegno alla promozione del talento e del genio artistico nel nostro paese che Alfa Romeo ha fatto proprio nel corso degli ultimi anni.
Alfa Romeo è partner anche della “Guida alla Biennale”, in distribuzione dal 6 giugno 2007, allegata a “Il Giornale dell’Arte”. Di seguito il comunicato ufficiale.

La mostra è stata realizzata con il contributo della Regione Veneto, Assessorato Cultura e della Fondazione CARISBO.
Sponsor tecnici : Teatro Nuovo Montevergini di Palermo, Maggio Musicale Fiorentino

L’allestimento, ideato da Gherardo Frassa, consiste in 34 lastre sottilissime lastre in ferro a cui le opere vengono applicate mediante calamite fino a formare un megamosaico che oggi conta 1400 tessere .Questo sistema, grazie alla sua flessibilità, permette alla mostra di adattarsi agli spazi più diversi.

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Tour 13 x17 www.padiglioneitalia

DIECI TAPPE IN DUE ANNI

 
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Comitato Organizzativo

Jean Blanchaert
Elena Agudio
Eleonora Caracciolo di Torchiarolo
Riccardo Culotta
Irina Eschenazi Focsaneanu
Roberta Gaito

Da un’idea di :

Elena Agudio
Cristina Alaimo
Momò Calascibetta

Con il sostegno di
Philippe Daverio

Progetto di Allestimento
Frassa Associati, Milano
con la collaborazione di Paolo Frassa

Comuniazione
Irma Bianchi Comunicazione, Milano

Progetto grafico
Faycal Zaouali

Sito internet
Emmegimultimedia


catalogo 13 x 17

Il catalogo 13×17 è in preparazione. Sarà edito
alla fine del tour di padiglioneitalia, quando il megamosaico
avrà raccolto le testimonianze più disparate da
tutto il territorio.

Il volume, edizioni Rizzoli,
comprenderà una selezione di 1000 artisti operata dal
Comitato Organizzativo della mostra e conterrà una presentazione
di Philippe Daverio e Jean Blanchaert e altri testi degli ideatori del progetto.

Il formato del volume sarà rigorosamente 13×17 cm e ogni
opera sarà illustrata a piena pagina in quadricromia.

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Chiesetta di San Gallo-Venezia 2005

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Direi con Pasolini, che a furia di provocare, gli artisti finiscono con "l’ottenere ciò che aggressivamente vogliono, essere feriti e uccisi con le armi che essi stessi offrono al nemico" . Non vi pare che basti?…

Momò Calascibetta balla con i lupi
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